写真 wikipedia より引用 » [ 引用元 ]
写真（しゃしん、 photograph、photography ）は、狭義には、穴やレンズを通して対象物を結像させ、物体で反射した光及び物体が発した光を、感光剤に焼き付けたのち、現像処理をして可視化したもの。感光剤に焼き付けるまでを行う機器は基本的にカメラと呼ばれる。
"photograph" という語は、イギリスの天文学者ジョン・ハーシェルが創案した。 「photo-」は「光の」、「-graph」は「かく（書く、描く）もの」「かかれたもの」という意味であり、合わせて「光の画」と訳せたという意見を必ずしも否定できない。しかしながら、日本では光が写すのではなく「光景を写す」という意味の造語が行われた。"photograph"から、略してフォトと呼ぶこともある。 写真は、デジタル写真の電子データである場合画像と呼ぶ。
ハロゲン化銀は光を与えると、銀イオンが還元され、イオン化されない銀ができる。感光して銀になってもそのままでは画像にはならない。感光した部分にある銀はごく少量のため、適当な量まで銀を増やす必要がある。これは現像液で行なう。又、感光しなかった部分はそれ以上感光しては困るため、不要な部分の銀分子は取り除く必要がある。これは定着処理で行なう。
ハロゲン化銀は感光するとき、波長を吸収する領域は青色に依っている。そこで、可視領域にわたって感光させるために、感光色素を用いて本来の吸収波長以外にも反応が起こるように設定する。まず、感光色素が光に反応し、色素の電子がハロゲン化銀へ移動することによって、ハロゲン化銀の直接の感光と同様の変化が成立する。可視的な電磁波の特定の波長領域にのみ感光するようにし、三原色に対応するように感光層を重ねるとカラーフィルムになる。
基本的に写真の感光量は、光の量（単位時間あたりの光の量×光が当たった時間）によって決まる。これを相反則という。ただし、感光量は入射した光の量にどこまでも比例するのではない。未露光部はベースフィルム以上淡色にはならないし、感光するハロゲン化銀は限られているから一定以上の光を当ててもそれ以上濃くならない。従って、光の入射量と画像の濃さをグラフにすると、シグモイド関数のようになる。変化の中間部は直線的であり、この部分の傾きの事をガンマという。
露光時間が極端に短かったり長かったりする場合には、相反則が成立しないことがある。これを相反則不軌という。相反則不軌は天体写真を取る時などに大きな問題となり、1977年頃には長時間露光時の相反則不軌対策や分光感度を調整した天体撮影用のフィルムが市販されていたほどである。相反則不軌は、カラーフィルムでは、更なる別の問題をも生む。色毎に相反則不軌の状態が異なるため、カラーバランスが崩れてしまうのである。なお、冷却することで長時間露光時の相反則不軌を低減できることが、経験的に知られている。
長時間露出写真については、例外がある。 現在利用可能なデジタルカメラでは、画像に熱雑音と製作不良から発生するランダムノイズが乗る。一部のデジタルカメラでは、長時間露出する際のノイズを軽減する機能が付いている。 非常に長い時間露光する場合、ノイズが最終的な画像に影響しないように、ディテクターを低温で動作させる必要がある。 フィルムの長時間露光では、粒状性は変化しないものの、見かけのフィルムスピードが変わり（相反則不軌）、カラーバランスが崩れる。
カメラ及びカメラ・オブスクラは、撮影機器である。 写真フィルムまたは電子的記録カードが記録媒体であるが、ほかの方法が採られることもある。例えば、光学コピーや乾式コピー（ゼロコピー）は長期的に使用可能な画像を作るが、写真フィルムではなく静電気の移動を使っているので、電子複写（静電複写）という。マン・レイの刊行したレイヨグラフなどのフォトグラムは、印画紙に投影された影でできた画像であり、カメラを用いない。スキャナのガラス面に直接撮影対象を置くことによって、電子複写を行うことも可能である。
撮影者は記録媒体を必要な量の光に露出する目的で、カメラとレンズを選択・操作できる。 （記録媒体として通常は、写真フィルムかCCDやCMOSを使う。）
選択・操作の対象には以下のものなどがあるだろう。カメラの操作は互いに関係する。
フィルム面に到達する光の総量は、露出時間、レンズの絞りによって変わる。この内どちらかを変えれば、露出が変わる。（物理的なシャッターがないカメラであっても、）露光時間はシャッタースピードで表される。露光時間が1秒より短い場合は、通常分子が1の分数で表記され、それはカメラのシャッタースピード設定ダイヤルに明記されている場合、秒の逆数で表示されている場合が多い。絞りはf値で表示されているが、これはレンズの明るさを表している。fは焦点比(focal ratio)のfである。f値がルート2分の1倍になる毎に、絞りの直径はルート2倍大きくなり、絞りの面積は2倍になる。典型的なMFレンズに刻まれたf値は、2.8、4、5.6、8、11、16、22、32などであるが、これは数字が大きくなる毎に、光の量が半分になっていくことを意味する。
特定の露出の、シャッタースピードと絞り値は、さまざまな組み合わせが成立する。例えば、125分の1秒でF 8と、500分の1秒でF 4では、同じ量の光が得られる。当然ながら、どの組み合わせを選んだかは、最終的な仕上がりに影響する。シャッタースピードの変化は、対象とカメラの動き（：ぶれなど）の反映の度合いを変える。絞りの変化は、被写界深度を変える。
被写界深度は、焦点の前後に広がるピントがあっているように見える範囲のことである。例えば、大口径の長焦点レンズを絞りを開いて使用した場合、対象の目には鋭く焦点が合うとき、鼻の頭はピントが合って見えない、ということが起こる。 反対に、小口径の短焦点レンズを使用し、絞りこんで（絞り値を大きくして）、遠距離に焦点を合わせれば使えば、対象の目にも鼻にもピントが合って見える写真を撮影することは容易である。
大口径の長焦点レンズを使用し、絞りを開いて、近距離に焦点を合わせれば、被写界深度は極端に浅くなる。反対に、小口径の短焦点レンズを使用し、絞りこんで（絞り値を大きくして）、遠距離に焦点を合わせれば、被写界深度は極端に深くなる。絞り値、焦点距離、焦点の位置が同じでも、レンズのＦ値（絞り開放時のＦ値）によって被写界深度は異なる。また、レンズのＦ値が同じでも設計・表記と実際との差などにより、被写界深度は異なる。ピンホールのように、非常に小さい絞りを使うと、ごく広い範囲にピントを合わせることができる。これはパンフォーカスと呼ばれる。
材質に関わらず、カメラが捕らえた像を最終的な写真作品にするには、何らかの工程が必要である。 この工程には現像と焼き付けなどがある。
焼きつけ工程では、いくつかの調整によって、結果を変えることができる。こうした調整の多くはイメージキャプチャーなどで行われる調整に似ているが、引き伸ばし機を用いた焼きつけ工程に固有のものもある。 大部分はデジタルによく似た調整であるが、大きく異なる効果をもたらすものもある。
調整には次のものなどがある。
デジタルカメラ写真のアスペクト比については次のものが主である。長辺が短辺に比してより長いものから、挙げる。以前は、パソコンのディスプレイとの整合性から「4:3」の機種が多かった。
DPE店などで、「フロンティア」や「QSS」によって印刷される写真の用紙の規格は以下のものなどがある。 DPE店の店頭でフィルムから印刷された写真が銀塩写真の限界ではないこと、DPE店の（恣意的な）色補正や濃度決定は不適切な場合も多いことを、付言しておく。
モノクロフィルム・印画紙を参照のこと
１００％コットンなどのバライタ印画紙、水彩紙を応用したプリンター用紙（デジタル用）などは独特の風合いがあり、黒や紙の白の発色、色合いはざまざまである。プリンターの高性能化に伴い、デジタルでのモノクロームプリントが多くなった。デジタル写真・ゼジタル化された写真においては、「カラー」から「モノクローム」への変換は容易である。実際には、完全に無彩色の物体は存在しないのだから、「これまでの白黒写真は、本当の白黒ではなかった。」といった類の言明は、適切性を欠く。
カラー写真は1800年代に開発が始まった。初期のカラー実験では像を定着させることができず、更に退色し易かった。初期の高耐光性のカラー写真は1861年に物理学者ジェームズ・クラーク・マックスウェルによって撮影された。
初期のカラー写真は、それぞれ異なるカラーフィルターレンズを前面に持った、三つのカメラを使うものであった。この技法は暗室や画像処理工程に三系統の処理設備を必要とした。
ロシア人写真家セルゲイ・ミハイロヴィチ・プロクジン＝ゴルスキーは、別の技法を開発した。三枚のカラー乾板を連続して素早く撮影する技法である。当時は必要な色に対する適当な感度をもつ乳剤が知られておらずカラーフィルムを製造することができなかった為、この技法が用いられた。しかし1900年代に入ると、H.W.フォーゲルのような化学者たちの活躍により、ついに赤と緑に適当である感度を持つ乳剤が発売された。
フランス人のリュミエール兄弟によって発明された最初のカラーフィルムであるオートクロームは、1907年に市場に現れた。これは染料で染めたジャガイモでんぷんで作られた「スクリーン板」フィルターに基づいたもので、ドイツのアグファが1932年に類似のアグファカラーを発売するまでは市場における唯一のカラーフィルムだった。 1935年アメリカのコダックが三色乳剤を採用した最初の近代的なカラーフィルム(integrated tri-pack)であるコダクロームを発売し、1936年にはアグファのアグファカラーノイエが追従した。アグファカラーノイエのカラーカプラは、コダクロームのトライパック方式とは異なり、乳剤が層状になっており、フィルムの処理が大幅に簡略化されていた。 コダクロームを除くほとんどの近代的カラーフィルムは、アグファカラーノイエの技術に基づいている。興味深い注釈として、コダクロームの開発者だったレオポルド・マンネスとレオポルド・ゴドウスキ・ジュニアは、どちらも熟達した音楽家だった。また、ゴドウスキーはジョージ・ガーシュウィンの従兄弟であり、彼の父レオポルド・ゴドウスキーは偉大なピアニストだった。 インスタントカラーフィルムは1963年にポラロイドから発売された。
カラー写真は、スライドプロジェクタで使うための陽画の透過フィルムとして像を撮ることもできるし、陽画の焼き付けを作るためのカラー陰画を作ることもできる。 自動プリント機器の登場によって、現在では後者が最も大衆的なフィルムである。
詳しくはデジタルを参照
写真処理施設からの遠隔地で仕事をする新聞記者などのカメラマンにとって、テレビジョンとの競争が激化するにつれ、新聞に載せる画像を短い時間で送付しなければならなくなった。このために、遠隔地で仕事をする新聞記者達は、一時期は小型の写真現像セットと電話線で画像を送るための道具を持ち歩くのが当たり前で、大きな負担となった。
1981年、ソニーが、画像撮影にCCDを使い、フィルムを用いない最初のコンシューマ用カメラ「マビカ」を発表した。マビカは、画像をディスクに保存し画像自体はテレビに表示するものであった。 次いで1990年に、コダックが初の市販デジタルカメラDCS100を発表した。その価格は、業務用でもなければ手が出ないものであった。商業的なデジタル写真がこのとき生まれたのである。
デジタル写真は画像を電子データとして記録するために、CCDやCMOSといった撮像素子を用いる。携帯電話などにもデジタルカメラ機能が付いているものがある（カメラ付き携帯電話を参照）。デジタル写真を写真と認めない人もいる。ただし、デジタルカメラで捉えた像は、見ることもプリントすることもできる。この10年で、デジタルの自動露出・自動焦点カメラは一般に広まり、フィルムカメラよりも売れている。動画撮影や録音など、フィルムカメラにはない機能を持っている機種もある他、レンズ交換式デジタルカメラの開発・普及も進んでいる。中には中判カメラ（ブローニー）に相当するレンズ交換式デジタルカメラもある。
フィルムとデジタル、二つのフォーマットのどちらが優れているかという議論がある。全ての観点において、一方がもう一方よりも優れているとは言えない。どちらのフォーマットもそれぞれ良さがあると言うべきだろう。以下、観点を幾つか紹介する。
ここで再現性は、画質とほぼ同義であると考えていただきたい。写真の画質に関しては、解像度とコントラスト（、そして色再現性）が格子と考えられる。 写真の写りを判断する基準は多数あるが、分解能を挙げる。取り敢えず、分解能は写真の像を成立させる構成要素の原因と考えてよいだろう。これについて、その写真が何個の画像セル（ピクセル）で構築されるかで計ろうとする試みがある。
フィルム写真とデジタル写真を比較するとき、フィルムを撮像素子の画素数に換算するとどの程度かと考えがちだが、何よりも先ず、両者はあまりに異なる。最終的なプリントを鑑賞する場合、近接時の鑑賞に耐え得るのはフィルム写真ではないだろうか。「大伸ばしのプリントは近寄って眺めるものでない」と言う人もいるが、たとえば絵画を鑑賞する場合を考えると、古典絵画などは特に、大型のものでも近接時の精細感のある描画に驚く場合もある。少なくとも、作品が大型であることが直接に、鑑賞において接近してはいけないことを意味することはない。 フィルムとデジタルで分解能を比較をするのは容易でない。分解能の測定は、さまざまな条件に依存する。フィルムの場合、フィルムの寸法・サイズ、粒状性などのフィルムの性能、用いたレンズの性能に依存する。フィルムにはピクセルが存在しないから、フィルムにピクセルが存在するものとして計測した分解能は目安に過ぎない。デジタルカメラでは、センサー画像の補間に用いる画像処理アルゴリズム、センサフィルタのベイヤーパターン(Bayer pattern)の効果、記録画質などが関係する。加えて、CCD・電荷結合素子等は方形模様に敷き詰められて星羅されており、画素の情報も方形的に表示する場合が殆どであり。このためモアレの影響を受るが、フィルムでは粒子が不規則に並んでおり、この現象はない。
35mmフィルムカメラで撮影した写真の解像度評価はまちまちである。例えば、約12メガピクセルという評価がある。 例えば、より粒子の細かいフィルムを使うとこの数字は上がるし、低級の光学系の使用や劣悪な照明がこの数字を下げることもあり得る。
この評価は、2007年の最新鋭デジタルカメラは35mmフィルムカメラよりも優れているという評価を含意している。 ただし、35mmフィルムは一般消費者向けのフォーマットである。プロ向けフィルムカメラとして、中判カメラ、大判カメラがある。これらに先の数値を単純にあてがうと、2007年現在の最新鋭デジタルカメラより優れた分解能を持つことになる。具体的には、中判カメラのフィルム写真は約50メガピクセル、4×5インチは約200メガピクセルである。8×10インチは約800メガピクセルになる。高性能レンズを用い理想的な露出で撮影した現代の超微粒子白黒フィルムの分解能は、30メガピクセル以上のファイルサイズにおいて、適当な細かさが得られる。一般消費者向け35mmカラーフィルムでは12メガピクセル以上に、安価な35mmフィルムカメラ（コンパクトカメラ）でも8メガピクセル以上に価し得る。
画像の表示に用いる媒体も考慮に入れる必要がある。例えば、せいぜい2メガピクセル程度のものが主潮流であるテレビやコンピュータのディスプレイで写真を表示するのみであれば、ローエンドのデジタルカメラで出せる解像度でさえ十分と言える。4×6インチのプリントに出力する場合に限っても、デジタルとフィルムの間に知覚できる差はある。出力媒体が大きな広告版なのであれば、高い解像度をもった媒体か、大きな判が必要になるだろう。
現在ではまだ、融通性に関してはフィルムがデジタルに勝ると言える。露出寛容度とゴミ・埃に対してのありかたを挙げる。
露出寛容度は、露出過多または露出不足のネガから良い画像を得る程度のことである。デジタル画像ではわずかでも露出過多になると、ハイライトが飛んでしまう。露出不足では陰影の細部が失われがちである。フィルム、特にネガフィルムであれば、露出過多ないし露出不足のフィルムを使っても、正常な画像が得られ易い。
結像面に乗った塵は、撮影者につきまとう問題である。デジタルカメラのセンサーは固定であり、デジタル一眼レフでは塵を除くのが困難である。ただし、一部のデジタルカメラには、イメージセンサーの塵を検知しセンサー上のゴミ・埃をある程度無視する機構が付いている。フィルムカメラでは画像ごとにフィルムを交換するので、塵に対処するのは容易である。その代わり、フィルムの現像工程以降でゴミ・埃が混入する危険が存在するが、いずれも正しい手順で清潔に扱えば、ほとんど問題は起きない。
利便性は、デジタルカメラが普及した要因の一つである。フィルムカメラでは、一連のフィルムを撮影した上で、現像しなければならない。そして現像を終えて初めて写真を見ることができる。他方、殆どのデジタルカメラは液晶ディスプレイを備えており、撮った直後に写真を見ることができる。この機能を用いれば、不要な写真の削除が可能である。
デジタルカメラの画像はパソコンで加工することが容易である。多くのデジタルカメラは画像を、センサーからの出力を画像に変換せずそのまま保存するRAWフォーマットで保存することができる。適当なソフトウェアと組み合わせれば、最終的な画像に「現像」する前に、撮った写真のパラメータ（シャープネスなど）を調整することができる。洗練されたユーザー（使用者）には、記録された画像自体を加工したり書き換えるという選択肢も存在する。
フィルムもスキャニングという工程を経てデジタル化できる。つまり、銀塩写真をデジタル写真に加工することができる。
二つのフォーマットにおける経済的優越性は撮影のスタイルによって大きく変化するので、一概にどちらがより経済的だとは言えない。 デジタルカメラは概して、似たカテゴリーのフィルムカメラより、高価である。これは、撮影自体と画像の短期的な保存に殆ど全くコストが掛からないという事態で相殺され得る。だが、デジタル写真にもランニングコストはある。長期的に多数の画像を保存するなら、記録メディアなどに関する費用は甚大である。 デジタルカメラにフィルムは不要だが、画像を記録するSDメモリーカードやメモリースティックなどを必要とする。それらは限られた寿命しかない。そして、デジタル画像を保存する機具を用意しなければならない。プリントが欲しいなら、自分で印刷するか業者に依頼しなければならない。 更に、デジタルカメラはバッテリーを使う。バッテリーは使うごとに劣化するものであり、定期的に買い替えるものである。
他方、フィルム写真ではフィルムの取得と画像処理（；プリントなど）にコストが掛かり続ける。フィルムは、撮影直後に画像を見ることができないので、最終的な写真を知ることなく撮影した全てのフィルムを現像処理するのが通例である。写真の出来に応じて現像するか否かを、コマごとに決めることは出来ない。
フィルムが作るのは一次画像であり、これは撮影レンズを通った情報こそを、含んでいる。 オルソクロマチックのように特定の周波数領域に限られた感度、またはパンクロマチックの幅広い感度といった違いはあっても、色(波長）に依って対象を捉える点は同様である。現像方法の違いにより最終的なネガやポジに差は出るが、現像が終れば画像はほとんど変化しない。理想的な状態で処理・保存されたフィルムは、実質的に100年以上変わらず性能を発揮する。プラチナの化合物によって発色するプリントは、基本的にベースの寿命に制限されるのみであり、数百年ほどは持つ。高い保存性を欲するならば調色が必須であるという因襲があった。調色されたプリントの保存性は高い。しかし現在では、調色せずとも保存性を高める薬品が販売されている。
2007年時点で、コンピュータを中心としたデジタル媒体が登場してから50年程しか経っていないので、デジタル写真の保存性はフィルムほどには分かっていない。 しかし、保存に関して乗り越えなければならない観点が、少なくとも三つ存在する。記録媒体の物理的耐久性、記録媒体の将来的な可読性、保存に使ったファイルフォーマットの将来的な可読性である。
多くのデジタル媒体は長期的にデータを保管する能力はない。 例えば、磁気ディスクと磁気テープは20年でデータを失う。フラッシュメモリーカードはそれよりやや短い。高品位の光学メディア（光磁気ディスク = MOなど）は、それらより耐久性のある記録媒体だろう。 記録媒体の将来の可読性も重要である。記録媒体が長期間データを保持できたとしても、デジタル技術のライフスパンは短いので、メディアを読み取るドライブが無くなることがある。 例えば、5.25インチフロッピーディスク（FD）は1976年に初めて発売されたものであるが、それを読めるドライブは、1990年代後半には既に珍品となっている。後継の3.5インチFDも、ドライブを装備するパソコンは減少している。Zipは、1994年の発売開始後数年で売れ行きが落ち、2007年時点ではメディア・ドライブとも入手困難になっている。
データをデコードできるソフトウェアの存続も関係する。例えば、現代のデジタルカメラは画像をJPEGフォーマットで保存するが、このフォーマットは十数年前に登場した。（国際標準化機構(ISO)・国際電気標準会議(IEC)で規格化されたのが1994年。）現在、厖大な数のJPEG画像が生み出されているが、100年後も観る、いやJPEGフォーマットを読むことができるのだろうか。また、複数が並立しいわゆる互換性に乏しい、RAWフォーマットの将来も不確定である。これらのフォーマットの一部は、暗号化されたデータまたは特許で保護された専用データが含まれているが、突然メーカーがフォーマットを放棄する可能性がある。カメラメーカーがRAWフォーマットの情報を開示しないならば、この状況は今後も続く。
デジタルにおけるこれらの障害にも対策がある。例えば、オープンでよく知られたファイルフォーマットを選ぶことによって、ソフトウェアがそのファイルを読解できる将来の可能性が増す。 また、将来読めなくなるかサポートされなくなる可能性があるフォーマットでデータを保存する代わりに、品質を低下させることなく新しいメディアにコピーすることが可能である。このことは、デジタルメディアの１つの特徴である。但し、劣化を追って愉しむ文化も、存在する。歴史的写真は、時間の経過による変化をあらわす適度の劣化がなければ、その分不自然であるとも言える。
フィルム画像の合成は難しい。それゆえ、像の真正性を重視する場合（パスポートや査証の写真など）、フィルムはデジタルよりも安全かも知れない。デジタル画像は簡単に改変できてしまうからである。デジタル写真について、倫理面での問題がある。多くのフォトジャーナリストは、写真を改変してはいけないという認識を持っており、複数の写真を併せて一枚の写真を装うことに抵抗を感じる。多くの裁判所では、デジタル写真は容易に改変しうるという理由で証拠として採用されない。
現在では、初心者でも容易に写真を加工できる。Adobe Photoshopなどの画像編集ソフトウェアで、かつては厖大な時間を費やす必要があった画像加工さえ、即座にできる。色、コントラスト、シャープネスなどを、初心者であっても「クリック一つで」調整できるのである。
詳しくは写真史、世界写真史、日本写真史を参照
写真が発明される19世紀以前にも、光を平面に投影する試みは行われていた。画家達は、16世紀頃には立体の風景を平面に投影するために、カメラ・オブスクラやカメラ・ルシダと呼ばれる装置を用い、その中に投影された像に似せて実景に似た絵を描いた。これらの初期の「カメラ」は像を定着（；写真用語「定着」ではない。）することはできず、単に壁に開いた開口部を通して、暗くした部屋の壁に像を投影するだけのもの、つまり、部屋を「大きなピンホールカメラにしたもの」だった。カメラ・オブスクラ とは暗い部屋といった意味である。 18世紀には、銀とチョークの混合物に光を当てると黒くなるというヨハン・ハインリッヒ・シュルツによる1724年の発見をはじめとして塩化銀やハロゲン化銀など銀化合物の一部は感光すると色が変わることが知られており遊戯などに用いられていたものの、これとカメラ・オブスクラなどを組み合わせる発想はなかった。
19世紀初めに、カメラ・オブスクラの映像と感光剤とを組み合わせ映像を定着させる写真の技術は、ほぼ同時に多数発明された。このとき美術は、新古典主義とロマン主義の並存する時期であった。また、大勢誕生した中産階級によって、肖像画の需要が高まっていた。そして、石版画の技術が新聞図版や複製画などに活用され、広まりつつあった。 現代の写真処理は、1840年から最初の20年の一連の改良を基底とする。ニセフォール・ニエプスによる最初の写真の後、1839年にはダゲレオタイプが発表され、直後にカロタイプも発表された。写真の普及は肖像写真の流行、1850年代の湿式コロジオン法の発明、1871年のゼラチン乾板の発明へと続いた。 1884年、ニューヨークのジョージ・イーストマンは紙に乾燥ゲルを塗布する方式を開発し、もはや写真家は乾板の箱や有毒な化学物質を持ち歩かなくて済むようになった。 1888年7月、イーストマンの設立したコダックカメラが「あなたはボタンを押すだけ、後はコダックが全部やります」との触れ込みで市場に参入した。 こうして現像サービス企業が登場し、誰でも写真撮影が可能な時代となり、複雑な画像処理の道具を自前で持つことが必要ではなくなった。 1901年にはコダック・ブラウニーの登場により写真は市場に乗った。1925年の35mmライカカメラの登場で一般性、可搬性（カメラの持ち運び易さ）、機動性、フィルム交換のし易さが高まってスナップ写真が広まるなどした。20世紀以降、カラーフィルム（多色フィルム）やオートフォーカス（自動合焦；ただし必ず自動で合焦するわけではない）やオートエキスポーズ（自動露出）が広まった。 画像の電子記録も広まっている。
現在では、デジタルカメラの液晶画面に依るインスタントプレビューが可能であり、高画質機種の解像度は高品質の35mmフィルムのそれを越えているとも言われるようになった。コンパクトデジタルカメラの価格は大幅に低下し、写真を撮ることはより容易になった。 しかし、専らME・MFの（撮影者が露出計を元に労力の要る露出決定を行い・焦点合わせも撮影者の眼を頼りにし手を相対的により使う。cf.manual;人力、労力の要る.）カメラと白黒フィルムを使う撮影者にとって、1925年に35mmライカカメラが登場して以来、変わった点はほとんどないとも言える。 2004年1月、コダックは「2004年末をもって35mmリローダブルカメラの生産を打ち切る」と発表した。 フィルム写真の終焉と受け止められたが、当時のコダックはフィルムカメラ市場での役割は小さなものであった。 2006年1月、ニコンも同様に、ハイエンド機F6とローエンド機FM10を除いたフィルムカメラの生産を打ち切ると発表した。 2006年5月25日、キヤノン（；通称「キャノン」）は新しいフィルムSLRカメラの開発を中止すると発表したものの、現在でも、4種のフィルムSLRを販売している。 35mmカメラおよびAPSコンパクトカメラの値段は下落してきた。 恐らく、直接的なデジタルカメラとの競争と、中古フィルムカメラ市場拡大が原因である。
写真が誕生したときより、自然科学者などの多くの学者や芸術家が写真に関心を示してきた。学者は写真を記録と研究に利用した。軍隊や警察も、偵察、調査、捜査、裁判などのデータ記録に写真を利用する。写真は商業目的でも撮影される。写真を必要とする団体における、写真の利用法には選択肢がある。その団体の誰かが撮影を担当する、外部のカメラマンを雇う、写真を利用する権利を取得する、写真を公募する等である。
例えば、エドワード・マイブリッジ(1830-1904)の、連続写真を使った人間の動きに関する研究（1887年）などがある。それまで人の目が捉えることが出来なかった一瞬の動きを写し出しており、人々に与えた影響は大きかった。また19世紀後半以降撮影された世界各地での探検や人類学的調査や遺跡調査などの記録写真、あるいは天体写真や顕微鏡写真は、人類の知識に変化を与えた。ピクトリアリスム運動など、絵画を思わせる写真を作ろうという動きがあった。他方で、鮮明な物の形の記録が写真本来の持ち味であるとしてストレートフォトグラフィが現れる。ジャーナリストは写真を使って事件や戦争、人の暮らしぶりなどを記録して来た。報道写真の萌芽は写真発明直後のクリミア戦争の戦場記録写真などに現れている。
芸術家もこれらの側面に関心を持ったが、現実を光学機械的に写し取ること以外の面をも探究した。ドミニック・アングル(1780-1867)などの画家は写真の再現性に驚いたとされる。ただし、写真は平面的な再現を得意としていても、絵画のように空間感や形態感を描き出すことは出来ない。アングルは表向き写真を批判していながら実際には写真を絵画制作に利用していたのだが、これは彼が伝統的に絵画の根本を支えて来たものがこのように写真に流出しないものであると知っていたからだと考えられる。このことに関して画家のフェルナン・クノップフ(1858-1921)は、光源やライティングをどれほど工夫しても、覆い焼き・焼き込みなどを駆使しても、絵画に見られるような卓越したバルール（色価）を構成することは出来ないといった旨のことを述べている。このことはピクトリアリスムに或る影を落とす。なお、フェルナン・クノップフは着色写真・着彩写真も手がけており、そこには代表作のバリアントとでも言うべきものも含まれている。写真との関係のについて言及される画家は他に、ドガ(1834-1917）、フランシス・ベーコン(1909-1992)、ゲルハルト・リヒター(1932-)、デイビッド・ホックニー(1937-)、チャック・クロース(1940-)などがいる。因みに、ドガはアングルを尊敬していたことも知られている。フェルメール(1632-1675)はカメラ・オブスクラにポワンティエなどの着想を得てはいても、カメラ・オブスクラを直接描画には用いてはいないと考える研究者もおり論理的に持説を述べている。更に『絵画芸術』には黄色の書物が見られるが当時黄色の書物が存在しなかったとの調査もあり、『牛乳を注ぐ女』におけるテーブルと壁面の一点通し図法上の不整合もしばしば紹介されることから、記録上の正確さや作品と（眼前の）事実との厳格な対応に対する固着は無かったと推察できる。現代では、画家が写真を制作に使用することを批判する向きもあるが、現代における写真やカメラの使用と、カメラ・オブスクラを昔の画家が用いたこととは本質的・根本的に事態の質が異なるものではない。そして、写真を制作における図像の基底に用いる画家は多い。一般的に言って、画家などの作家が撮影できる写真は写真家が撮影する写真に比して限定的なものであり、実景よりも平板であるが故に制作が困難なものになる場合もあるが、写真が本人の制作にとって利用価値が高いならば作家は臆することなく写真を制作に用いるべきだろう。現在では、スナップ写真を撮ったり、行事や日常の場面を撮影する人も多い。
20世紀の間に、ピクトリアリスム（芸術写真）とドキュメンタリー写真の両方が、英語圏の美術界とギャラリー業界に受け入れられて来た。アメリカ合衆国では、少数の学芸員が、写真をそうした業界に取り込ませるために生涯を掛けた。中でも傑出した学芸員・編集者は、アルフレッド・スティーグリッツ、エドワード・スタイケン、ジョン・シャーカフスキー、およびヒュー・エドワードである。
　「芸術写真」は、1920年代の日本においても最新動向として紹介され、大正十年に東京では福原信三が写真芸術社を、それに先立ち大阪では上田竹翁（別名上田寅之助、箸尾寅之助、竹軒楽人）が次男の箸尾文雄、写真家の不動健治らとともに芸術写真社を興し、雑誌を発行して盛んに宣伝した。東京だけでなく、この時期には大阪も芸術写真の一つの中心地であり、数多くの「写真倶楽部」が活動していた。漫画家の手塚治虫の父親もこうした「写真倶楽部」に参加し、アマチュア写真家として作品を発表していたという。
写真が芸術かどうかは、しばしば議論されるところである。こうした議論は、写真の初期から存在していた。写真はしばしば「ただの記録技術であり、芸術ではない」という攻撃を受けてきた。単なる画像の機械的生産に過ぎないと主張するひともいる。
たとえば日本の場合、森村泰昌は名画の中などに（ときには複数の）自分が「侵入」することで、新たな表現スタイルを獲得している。澤田知子は、自動証明写真機で撮影した自分の姿に始まり、セルフポートレイトを駆使した写真活動を展開している。今道子は魚や野菜や衣類を使った造形を写真に収めている。3人ともその活動は「画像の機械的生産」の範囲内かもしれないが、いずれも写真家や美術家若しくは芸術家に含まれている。
写真は対象の選択、対象と撮影者との物理的距離、対象の様態、撮影するタイミングなどによって、撮影者の心や、世界に対する態度を反映する。写真は少なくともこの意味で確かに撮影者の創作物であり、表現の手段である。そして同時に印画紙出力などで介在する技術者の手腕の産物でもある。また撮影対象や画像加工技術などにより著作者（創作者）の発想や手腕が、写真を確実に芸術（美術；視覚芸術）に属するものとする。
しかし、写真が絵画や彫刻のような芸術であるということは、記録手段伝達手段としての価値が大きい（報道写真、Wikipedia向きの写真など）以上、あり得ない。それは「法律や取扱説明書は文芸・文学ではない」ということと同じであり、写真が「中立性」「検証可能性」に耐える場合もある、互いに離れた空間、あるいは時間を結びつけることのできる、存在であるということに他ならない。言い換えれば、「写真は、芸術に留まらない存在である」ということである。鉛筆で、小説も詩も、規則もマニュアルも書けるし、略図も絵も、描くことができる。カメラ類も、同じような広がりを持つ機能を果たすことができるということである。
現在も情報伝達の手段としての「絵」はあるが、むしろ、写真の発達によって、客観性・写実性そして伝達能力では写真に一歩譲る絵画が、描き手（えがきて、かきて）の調子の構築、筆致・筆捌きその他で創作者の主観を反映することが望まれる、芸術に特化するようになったと解釈できる。
こういった点で、「写真は芸術かどうか」は「落書きの絵が芸術かどうか」という問題とは根本的に異なる。
（Museum：博物館、美術館。；博物館⊃美術館）
詳しくはCategory:写真のギャラリー、自主ギャラリーを参照。
現在刊行中のもの。（廃刊されたもの、海外のものなどCategory:カメラ・写真の雑誌を参照）
絵画 - 版画 - 浮世絵 - 書 - イラストレーション - 彫刻 - 工芸 - 陶芸 - デザイン - 写真 - 映画 - 舞台芸術 - 建築 - 庭園
ウィキポータル：美術 - デザイン - 写真 - 映画 - 舞台芸術 - 建築

写真 はてなキーワード より引用 » [ 引用元 ]
...で感光材料面に写しとった物体の映像。一般には物体からの光を写真レンズで集めてフィルム・乾板などに結像させ、これを現像液で......最初といわれる。*関連キーワード-記念写真-写真日記-写真日記風景-カメラ-銀塩カメラ-フィルム-リスト::写真用語...